ALCA-JA

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CRISTINA IGLESIAS. TRES AGUAS. (Un proyecto para Toledo)

 

 

 

 

 

 

 

Toledo es el escenario del gran proyecto artístico de la prestigiosa escultora Cristina Iglesias, especialmente realizado con motivo del año Greco, bautizado como “Tres Aguas. Un proyecto para Toledo”.

La ciudad histórica de Toledo, en Castilla-La Mancha, en el corazón de Península Ibérica, se alza sobre las aguas rápidas del río Tajo, que determinó su fundación y contribuyó a su posterior florecimiento.

Sus ciudadanos llevaron el agua hasta el núcleo de la ciudad, sus fuentes, sus aljibes y sus casas de baños.

En el desarrollo de Tres Aguas : Un proyecto para Toledo, su obra más ambiciosa hasta la fecha, Cristina Iglesias se ha adentrado tanto en el rico acervo cultural de Toledo —la mezcla de las culturas musulmana, judía y cristiana, que convivieron durante siglos en el periodo que dio en llamarse «La Convivencia»— como en su localización sobre el río.

La obra de Iglesias, concebida como un viaje al corazón de la ciudad, ofrece una secuencia de perspectivas dinámicas y experiencias de reflexión. Los visitantes inician el recorrido en una Torre del Agua de estilo mudéjar situada junto a la Fábrica de Armas del siglo XVIII, en la misma ribera del río, y avanzan hasta llegar a uno de los espacios públicos principales de la ciudad, la Plaza del Ayuntamiento, junto a la Catedral y, posteriormente, hasta una serie de habitáculos ocultos del Convento de Santa Clara, habitualmente cerrado.

Esta extraordinaria intervención escultórica de Iglesias integra los materiales más perdurables de la arquitectura y la escultura —la piedra y el metal— con un elemento que fluye y cambia constantemente: el agua. El agua discurre a través de canales y desaparece en el suelo como absorbida en un torbellino, haciendo titilar las superficies brillantes de las esculturas, como si se tratase del lecho de un antiguo río cubierto por la maleza.

En el desarrollo de esta obra de Cristina Iglesias para la ciudad de Toledo, parece como si el propio río se haya incorporado a la escultura generada a través de los diferentes espacios, revitalizando el núcleo de la ciudad histórica.

Proyecto encargado por Artangel y la Fundación El Greco 2014

Patrocinado por Acciona y Liberbank

Encargado con el apoyo de Artangel International Circle y el Patronato Tres Aguas

Horario de funcionamiento de Tres Aguas en la Plaza del Ayuntamiento: 
45002 Toledo
Horario:
El ciclo (arroyo, crecida y lámina de agua) se repite cada media hora, a las horas en punto y a y media.
Todos los días
de 9:00 a 21:00 horas.
Excepto
lunes y viernes que por tareas de mantenimiento el horario es de 10:30 a 21:00 horas

A partir de las 21:00 permanece la lámina de agua hasta las 00.00 horas.

Torre del Agua
Universidad de Castilla – La Mancha – Campus Tecnológico – Fábrica de Armas
Entrada Puerta de los Obreros
Avenida de Carlos III, s/n – 45701 Toledo
Horario
Sábados: 10:00 – 18:00
Domingos: 10:00 – 15:00
Planos de acceso:
Puerta de Obreros
Puerta senda ecológica
Puerta edificio Sabatini

Convento de Santa Clara
Plaza de Santo Domingo El Real – 45002 – Toledo
Horario
Sábados: 10:00 – 18:00
Domingos: 10:00 – 15:00

La entrada es gratuita, no dejes de verlo y ve con espíritu innovador.

 

LITA CABELLUT, UN LARGO CAMINO

Próxima exposición de Lita Cabellut: el 5 de octubre de 2017 se inaugurará la gran retrospectiva de la Fundación Vila Casas, que coincidirá con un “solo show” en la MAC de A Coruña. La esperada muestra de la Fundación está prevista que se mantenga ocho meses, hasta final de mayo de 2018.

“Me gusta Lita Cabellut porque de sus obras uno nunca sale igual que entró. Y pienso que eso es quizá lo que diferencia a un buen pintor de un pintor extraordinario, no saber en dónde se entra ni por qué, y querer seguir entrando, a riesgo de no comprender nada. Ni maldita la falta que hace”  (paráfrasis del poeta Alfonso Brezmes)

Parece un personaje de Charles Dickens. Gitana barcelonesa, rechazada por la familia al ser hija de prostituta, dedicó su primera infancia a rastrear oportunidades en la Plaza Real, sin más horizonte que comer cada día.

En su periplo sin rumbo un día se puso a caminar y llegó a lo alto de la montaña de Montjuïc, hasta una explanada en la que aún quedaban chabolas. Allí construyó su palacio, con cartones, enamorada de la vista sobre la ciudad desde la montaña mágica. “Y tanto que es mágica” dice Lita y dibuja una sonrisa de recuerdos.

Su desafortunado inicio cambió cuando con doce años una familia común, como la de Ustedes o la mía, la adoptó y aparte de enseñarle a leer y escribir decidieron llevarla al Museo del Prado. “Recuerdo aquel día perfectamente“, la mirada se torna profunda, a veces la vida te regala una oportunidad, en un instante todo puede cambiar y aquel día en el Prado un resorte interno se disparó.

Ha saltado a los mass-media por su origen humilde y la altísima cotización de su obra; permítanme decirles que la cotización es un valor  muy volátil, prefiero escribir que es una de la artistas contemporáneas más aclamadas en el mundo, desde NY a Hong Kong pasando por Londres, París, Berlín y Dubái. Se han publicado decenas de libros acerca de su obra. Y todo es fruto de una larga trayectoria.

 Lita Cabellut es pintora, escultora, poeta y se ha zampado el mundo con sus expresivos retratos. No se dejen engañar por sus ecos clásicos y de porcelana, son afiladas radiografías del alma. Tiene “duende”, porque es un misterio como combina su pasional energía en la acción de pintar con una estética oriental wabi sabi. “El duende es un poder misterioso que implica otra manera de pensar y de sentir dice ella.

Ha  encaminado ese  duende a través de muchos años  de experimentar con la técnica: Lita Cabellut ha desarrollado una variación del fresco con efectos craquelados que evocan las cicatrices de la vida y la fragilidad del instante. Lo consigue mediante una técnica de “cracking”, con arcilla como catalizador, en que la naturaleza orgánica de los materiales se descompone. Le suma el Impasto expresionista que produce grietas por donde guiar el ojo más allá de lo visible.  ¿También se ayuda de técnicas digitales? … por supuesto cuando le resulta útil, estamos en el s. XXI ¿va a evolucionar todo menos la pintura?

En esta época en que todo sucede a la velocidad de la luz mantenerse es mucho más difícil que llegar, pero tiene ingredientes para conseguirlo, sobretodo los pies aferrados a la tierra: “Nunca olvido de dónde vengo“… “No estoy creando nada nuevo, le doy nuevas formas“.

¿Quién compra tu obra?, le preguntan.

-Quien entiende mi lenguaje.

Y el reportero de antena 3 empieza a hacer números: “a 100.000 euros el cuadro… ¿cuánto tardas en pintarlo?”

– Toda una vida, responde ella. En cada obra está mi vida entera.

Entiende la expresión artística como un acto muy íntimo y pasional “viene de algo muy profundo“… El Arte es delirio y hay que dejarse llevar por él… “El Arte se escupe“…  y reconoce como principal influencia a Camarón de la Isla “de quien más he aprendido” por encima de pintores y escultores.

 En el plano personal su mensaje llega y desvela una faceta entre locura y razón: “¿Por qué no aceptamos que estamos un poco enfermos y necesitamos el uno del otro?,  “Ser artista es soledad, angustia, duda…incomprensión“.  Y de nuevo recuerda sus orígenes: El camino ha sido muy largo“, “mis cuadros son gigantes porque siempre he querido que me vieran y que me escucharan, “desde pequeñita siempre he deseado que me quisieran”.

Quien más la ha querido y ha creído en ella ha sido Antoni Vila Casas, quien la ha amparado y dado cobijo en el mundo del Arte, y cuya Fundación prepara una gran antológica para 2017.

Lita Cabellut se ha puesto a caminar y no para, como aquel día que levantó su palacio de cartón en lo alto de Montjuïc.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

MAS INFORMACIÓN EN:

http://www.litacabellut.com/

http://www.fundaciovilacasas.com/ca

 

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“OBRAS TRANSGRESORAS”

Os proponemos una mirada a una serie de OBRAS que están catalogadas como “Arte Transgresor”, tanto por su técnica, su temática o bien por su autor y pertenecen al Arte Moderno o Contemporáneo y que han ejercido una posterior influencia en el Arte y sobre todo mucha controversia.

Con esto no se persigue nada más allá que dar a conocer algunas de estas obras de arte, son propuestas y nada más…

Esperamos que os haga reflexionar un poco y os abra una nueva puerta por donde pueda colarse el ARTE en vuestra vida.

Se admiten propuestas de obras y opiniones. Enviar a esta dirección de correo elarteharta@gmail.com

OS PROPONEMOS:

“CUADRADO NEGRO SOBRE FONDO BLANCO” DE KAZMIR MALEVICH (1913)

 

 

En la Exposición Futurista de Petrogrado en 1915, ocupó un lugar destacado y especial dentro de la sala esta obra  de Kazmir Malévich, y causó una gran revolución en el público y en la crítica por su carácter rupturista e innovador, ya que ponía de relieve que se podía pintar sin hacer referencia a una realidad externa específica.

Para Malévich esta obra es el “punto cero” de la pintura.

KAZMIR MALEVICH. 1878-1935

La obra de este artista, de tanta importancia como Picasso, Léger, Mondrian o Duchamp, ha sido escasamente mostrada y estudiada en Occidente.

Fue victima del etnocentrismo de la cultura europea y de la represión que se ejerció contra el Arte Abstracto durante la época Stalinista (antigua URSS) y por el boicot al Suprematismo de sus propios compañeros exiliados y mimados por el mercado norteamericano.

Su redescubrimiento data de la época de los años sesenta y setenta por jóvenes minimalistas y por algunos historiadores del arte, que volvieron a fijarse en él.

Malevich, autor de las ideas suprematistas que defienden la supresión en el Arte de todo vínculo con la realidad exterior. Es el inicio de una no-objetividad plasmada en forma de colores que navegan en una superficie-plana.

El pintor y critico de arte Maurice Denis, (anterior a Malevich), define al cuadro como: “Un cuadro antes de ser caballo de batalla, mujer desnuda o cualquier otra anécdota, es esencialmente una superficie plana recubierta de colores conjuntados con cierto orden” idea cercana al suprematismo.

Con Malevich, se inicia la idea de “la imitación ya no sirve, es la autonomía del Arte lo importante”. Se propone un borrón y cuenta nueva en el lenguaje artístico y en el concepto mismo del Arte”, de ahí, que el autor, colocara su Cuadrado “Negro sobre fondo Blanco”, como el grado cero en la pintura, el inicio, el nuevo punto de partida.

Su cuadrilátero, como el se refería a la obra, fue rápidamente bautizada como “Cuadrado Negro sobre fondo Blanco” y provocará un verdadero escándalo. El critico (siempre hay uno) Alexánder Benois, aterrado por la carga revolucionaria de este cuadro, declarará con amargura y resignación: “Ya no es el futurismo lo que tenemos actualmente ante nosotros, sino el nuevo ícono del cuadrado. Todo lo que teníamos por santo y por sagrado, todo lo que amábamos y que era nuestra razón de vivir ha desaparecido.

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“SAMe Old shit”

En esta segunda entrega haremos una parada en Jean Michell Basquiat, el más genuino representante del Post-Graffiti neoyorkino.

En los años 60, jóvenes marginados de Brooklyn y del Bronx empiezan a cubrir espacios en el metro de N. York, con pintadas llenas de desencanto y lucha, garabatos y textos que manifiestan su indignación:  “SAMe Old shit”.

¿Estamos, pues, ante un arte genuino o se trata de una estafa?

JEAN BASQUIATJEAN MICHEL BASQUIAT nació el 22 de diciembre de 1960 en New York, en el seno de una familia afroamericana acomodada. Su padre fue contable y su madre diseñadora, muy reconocida en la época, lo cual les reportaba cierta seguridad económica. Tras realizar parte de sus estudios en diversos colegios, conoció a Al Díaz, que le introdujo en el mundo del graffiti; ambos pensaban que “pintar paredes, vallas publicitarias y cubrir espacios públicos con garabatos y colores que dan rienda suelta al desencanto” les permitía olvidar el gueto.

Con Al Díaz, compartió el seudónimo de SAMO, formado con las siglas de “SaMe Old shit”, es decir, “la misma mierda de siempre” o “ la misma porquería”.

El movimiento de graffiteros, promovido por ambos artistas, recorrió todo el país. Finalmente se hizo universal y empezaron a aparecer pintadas en las ciudades más emblemáticas de Estados Unidos y del mundo. Desde entonces, los graffitis han calado en tal medida en nuestras ciudades, que hoy se reconocen como manifestaciones de auténtico arte urbano.

En 1980, la ocupación más reconocida de Basquiat era la de vagabundo, pero serán sus inquietudes intelectuales las que lo llevarán a gestar un graffiti más expresivo y plástico, estimulado por la fascinación que siente por Franz Kline, Jackson Pollock, De Kooning, Cy Twonnbly. En sus obras de entonces se aprecia una sintonía con el Art Brut de Jean Dubuffet.

En la exposición en la P.S.1 de New York, coincidió con Robert Mapplethorpe (1981) y allí también conoció a Andy Warhol, que lo catapultó a la cima del arte neoyorquino.

En 1983, presenta “Post-Graffiti” en la galería Sidney Janis, lo que supuso el lanzamiento definitivo a escala mundial de sus obras, que, hoy en día, forman parte de los fondos de numerosos museos del mundo.

El 12 de agosto de 1988, con tan solo 27 años de edad, Basquiat murió por sobredosis de heroína. Los críticos, al conocer la noticia, lo definieron como “el artista negro con más éxito de la historia del arte afroamericano”.

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“LA INTELECTUALIDAD CREATIVA”

Para la tercera entrega de este espacio artístico, hemos pensado en una inteligencia creativa, en un ser de otra galaxia, en un hacedor de imágenes múltiples capaz de dar a un objeto cualquiera el rango de arte.

MARCEL DUCHAMP (1887 – 1968)

Duchamp nació en Blainville, Francia, en 1887, aunque posteriormente se nacionalizaría como estadounidense. Fue el más joven de seis hermanos, cuatro de los cuales se dedicarían al arte.

Duchamp pasó por casi todas las vanguardias de aquellos locos años en París, sin comprometerse demasiado con ellas; más bien podríamos decir que le atraían hasta que conceptualmente las asimilaba, momento en que las abandonaba y comenzaba de nuevo desde otro punto de vista.  La experimentación va a ser una constante de su fecunda trayectoria.

Veamos cuáles son algunos de los acontecimientos que jalonan su vida:

1912: presenta en el Salón de los Independientes de París su obra Desnudo bajando una escalera, nº 2, la cual fue rechazada, aunque reconocida por futuristas y cubistas. Y tuvo que esperar un año hasta la exposición en Armony Show de N. York, donde fue recibida con gran entusiasmo por parte de los artistas americanos que la esperaban con grandes expectativas.

1913: comienza con los preparativos del Gran Vidrio o La novia desnudada por sus pretendientes; de esta misma época serán los ready-mades, u objetos cualesquiera sometidos a muy escasa y en ocasiones nula alteración material elevados a la categoría de arte por la mera voluntad del artista.

1916: surge en Zúrich Dadá, en el café Voltaire y Duchamp será uno de sus miembros más activos.

1917: Duchamp funda en New York las revistas 291 y El Ciego y, junto con Francis Picabia, traslada las ideas de Dadá al nuevo continente.

El ajedrez y la matemáticas empiezan a ser una de sus principales actividades; posteriormente, entre el 1920 y 1930, se dedicará a jugar partidas de forma semiprofesional.

1934: conoce a André Bretón, del movimiento surrealista, y realiza algunas obras desde esta óptica.

1954: se casa con su compañera Teeny Sattler y juntos se retiran de la vida pública; tan solo aparecerá en algunas entrevistas realizadas por conocedores de su obra y por amigos.

1981: el 2 de octubre de ese año fallece a los 81 años en Neuilly-sur-Seine, Francia.

 Sobre Fuente, de R. Mutt: ¿cómo pudo intuir su idea?

Obsesionado, tal vez, con la partida que acababa de dejar, Duchamp llega a su casa un día del año 1917, pensando en el peón que no movió, en el que moverá en la próxima partida o simplemente en el que nunca moverá. Es tal su obsesión que se recuesta en su sillón favorito frente a un tablero y, fumando un cigarrillo, se incorpora lentamente y acerca la mano para mover una pieza. Pero observa que está pegada y que no puede moverla. Quizá entonces piensa que las piezas están diseñadas para moverse de un sitio a otro y que ahora no cumplen la función que tienen encomendada. Puede que el artista piense en ese momento que un tablero de ajedrez con las piezas pegadas es como un urinario en medio de un museo.

Para Duchamp, el arte y la ciencia interrogan al mundo natural e intentan encontrar respuestas que a menudo convergen en el mismo concepto.

Por todo esto, podemos decir que, si hay un personaje que resume la efervescencia vanguardista de la época surgida entre los años 1912 y 1954, ese es precisamente Marcel Duchamp.

Os dejamos, pues, con su obra Fuente, o El urinario, creada por Duchamp en 1917 y firmada con el seudónimo de R. Mutt.

FUENTE DE R. MUTT

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“SENTIMIENTO DEL TIEMPO”. MIQUEL BARCELÓ

En la primera entrega  para el curso escolar que empieza, queremos presentar para los desconocidos a Miquel Barceló, él junto con otros artistas forman parte de la élite de la pintura actual.

Esperamos que disfrutéis con la búsqueda en internet de más imágenes de sus cuadros y los escritos que tiene publicados.

Mientras nosotros, queremos hacerte llegar a este artista desde el punto de vista de uno de sus amigos Enrique Juncosa (Miquel Barceló “sentimiento del tiempo”). Para ello te ponemos en esta página dos obras una escultura “Elefante en equilibrio” y una pintura “Mesa con pescado”

 

"ELEFANTE EN EQUILIBRIO". MIQUEL BARCELÓ"MESA CON PESCADO". MIQUEL BARCELÓ

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Miquel Barceló, nace en Felanitx, Mallorca en 1957.

La pintura de Miquel Barceló ha logrado rápidamente, y muy a pesar de la crítica más ortodoxa, encontrar su propio camino personal, alejándose  de una forma casi inconsciente de cualquier parámetro contextual y sin una voluntad de estilo preestablecido. La suya  ha sido además una carrera vertiginosa en lo que se refiere a su proyección internacional, su insólita y gigantesca celebridad en España; sus constantes cambios de residencia; y la aparición obsesiva de distintas preocupaciones formales y temáticas que han jalonado su trayectoria formando una suerte de espiral, volviendo una y otra vez a sus asuntos con miradas distintas y a veces contradictorias, sin merma de su resolución formal.

Para Barceló  es muy importante el lugar donde trabaja y es plenamente consciente de este hecho, viaja incansablemente en busca de motivaciones, lo que en último término es más significativo que cualquier otra asunción de adscripción a una determinada escuela nacional. No quiero decir que no encuentre la inspiración en sí mismo, sino que tiene una idea muy literaria del viaje y que asume todo lo que le rodea con voracidad. Él mismo ha reconocido, en cualquier caso, la españolidad de su trabajo y en qué consistía ésta: “La memoria española representa una memoria particular la de un mundo mediterráneo con fuentes griegas y árabes que se ha impregnado de una cierta influencia del Norte. Hablo a menudo de ascetismo, de una verticalidad y un rigor muy especial que se encuentra en la pintura española”. (Miquel Barceló).

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